Музей Органической Культуры (МОК)

Музей Органической Культуры (МОК) – группа художественных музеев, объединённых единой концепцией. МОК включает в себя: Музей искусств XX–XXI веков, Музей российской фотографии, Музей традиции, Музей DIMA.

МОК как «вестник Органики» в современной художественной культуре основан в 2010 году учёным советом МОК и историком искусства, исследователем русского авангарда Аллой Васильевной Повелихиной (президент учёного совета МОК).

Миссия МОК обращена к тому направлению русского авангарда, которое в 1923 году Михаил Матюшин обозначил понятием «органическая культура». М.Матюшин (1861–1934)и Е.Гуро (1877–1913), знаковые фигуры в формировании этого направления, видели смысл искусства в стремлении выразить органическую суть мира. Их интересовали космологические идеи П.Успенского и «интеллектуальная реальность» Н.Лосского, книга которого «Мир как органическое целое» вышла в 1917 году. М.Матюшин, профессор Академии художеств (1919–1926), воспитал два поколения художников. Его художественная система Зорвед (зрение+ведание) основана на практике расширенного смотрения и теории сцепляющего цвета. Этот загадочный третий цвет был открыт на натуре и изучался в отделе органической культуры в Гинхуке самим Матюшиным, а также Борисом, Марией и Ксенией Эндерами и другими учениками Академии художеств. Матюшин первым «поднял знак возврата к природе».

МУЗЕЙ ИСКУССТВ XX–XХI

В Музее искусств XX–XХI веков экспонируется выполненная в форме подковы цветовая таблица, которую Малевич определил как прибавочный элемент органического искусства: М.Матюшин «Прибавочный элемент. Взаимодействие формы и цвета» (1920–1930-е). В этом же зале представлены: «Пейзаж с избушками» (1904), «Портрет Елены Гуро» (конец 1900-х), «Облако» (1909). Особый интерес вызывают «Корневые структуры» М.Матюшина (начало 1920-х). Художник считал, что ни один материал не передаёт с такой силой высокое однородное напряжение отдельных частей.

Творчество Елены Гуро и её личность во многом определили «лицо» органического направления русского авангарда. В работах Е.Гуро «Портрет М.Матюшина» (конец 1900-х), «Пейзаж» (конец 1900-х) и рисунках «Куст», «Сосна», «Ёлка», «Спящая кошка» (1910) виден особый «почерк» художницы, который уподобляется методу работы самой природы: в движении форм, цвета и точно найденного цветового сцепления формы и среды.

В 2011 году МОК издал автомонографию «Михаил Матюшин. Творческий путь художника», которая вводит нас в уникальный и малоизученный мир творчества основателя органического направления в культуре.

К работам учеников первого поколения относятся «Таблицы» Марии Эндер: «Изменение цвета и формы в зависимости от расширения угла зрения» (1930-е). Ученики М.Матюшина «добивались насыщения цвета светом, открывали новые сцепляющие цвета, объединённость формы и безвесие. Все эти качества были связаны с онтологией нравственности», – отмечает А.В.Повелихина. «Никакое ''расширенное смотрение'', воспринятое только как внешний приём, не даст ''нового видения'' и проникновения в скрытые связи гармонического порядка вселенной», – писал сам художник.

В двухтомном издании «Борис Эндер» (МОК. 2018) впервые публикуются автобиографические материалы и статьи художника, который в лаборатории зрения, слуха и осязания совместно с Матюшиным был занят опытной работой по исследованию активных центров мозга при наблюдении цветоформ.

Мастерская Матюшина стала предметом внимания для следующих поколений художников: «У него не раскрашивание, а письмо... Он рассуждает своей кистью, находясь в проблеме, которая ещё не решена. Встреча его с природой без посредства, но он проблемой решает эту встречу. Это очень важная вещь». Эти слова Владимира Стерлигова, записанные 2 ноября 1972 года, впервые опубликованы в каталоге «Музей органической культуры / Музей искусств ХХ–ХХI веков» (МОК. 2013).

Владимир Стерлигов (1904–1973), ученик Малевича и последний представитель классического русского авангарда, выдвинул новую художественную концепцию. Она преемственно связана с кубизмом и супрематизмом, однако является новым словом в искусстве. Стерлигов по-новому увидел пространство и осознал его неожиданные свойства. После «расширенного смотрения» Матюшина пришло «расширенное сознание» Стерлигова, выраженное в создании художником пластической системы – чашно-купольного пространства. В основной экспозиции музея: «Мы живём внутри купола. Новая структура пространства в земной сфере» (1960), «Преклонимся все» (17 апреля 1960) и другие.

Татьяна Глебова (1900–1985), живописец, график, ученица Павла Филонова, жена и соратник В.Стерлигова, расширила филоновский «аналитический» подход и творчески восприняла идеи Стерлигова. По словам исследователя русского авангарда Евгения Ковтуна (09.02.1928–04.01.1996), работа «с иными пластическими принципами обогатила цвет, форму и пространственные структуры в её произведениях»: «Здесь кто-то прошёл. (Одно из тонких реалий пространства)» (1973), «Трое идущих» (1970-е) и других.

Павел Кондратьев (1902–1985) – художник, график. Находился в «первом призыве» авангарда, учился во Вхутеине у Я.Корева, А.Савинова и М.Матюшина (1921–1925), затем – у П.Филонова, получив у них основу пластических знаний. «Всё это оставалось в фундаменте и определяло часто и структуру, и форму, и даже во многом слой и цвет» (Е.Ковтун). В начале 1960-х он сближается со Стерлиговым и кругом его учеников. Работы П.Кондратьева: «В безмерном» (1979), «В свете свечей» (1969), «Многомерность» (1971) и другие.

Новая «сакральная форма» Стерлигова стала основой творчества целой плеяды учеников, перед которыми он раскрыл художественную культуру русского авангарда, «наглухо запечатанную в музейных запасниках» (Е.Ковтун). Экспозиция нескольких залов МОК и каталог выставки «Ученики Владимира Стерлигова» (МОК. 2016) обращают внимание на культуру взаимодействия формы и цвета. Выставочные проекты значительно расширяют возможность знакомства с творчеством художников: «Геометрия Природы» – выставка В.Стерлигова (2014); «Я буду расписывать райские чертоги» – выставка Т.Глебовой (2015). В выставке «Ученики Владимира Стерлигова» (2016) приняла участие вся группа «стерлиговцев»: Е.Александрова, А.Батурин, Ю.Гобанов, А.Гостинцев, Е.Гриценко, Г.Зубков, А.Киселёв, А. Кожин, А.Носов, В.Соловьёва, С.Спицын, М.Церуш, Л.Астрейн.

При проведении мастер-классов и на совместной конференции с учёными – физиками, историками, богословами, философами – обсуждалась тема художественной теодицеи. В наше время, когда, по словам поэта и философа О.Седаковой, «богословие растерялось», на помощь приходят художники; «чего не видит богословствующий ум, видят простые чувства: слух, зрение – видит Органика».

Целый зал основной экспозиции МОК посвящён взаимодействию звука, цвета и формы. Матюшин обратил внимание на способы восприятия, вроде бы и ненужные для живописи. Воспринимая «внутренним чутьём» то, что «подчинение личного» идёт «с высот Духа», он увидел, что этот «соблазн личного залезает всюду, как настоящая плесень». По его словам, со звука «начинается вся культура искусства». О цветовом слухе говорили Римский-Корсаков и Скрябин, но представленный цветовой звукоряд Матюшина является уникальным художественным видением «тайны» органического всеединства: М.Матюшин «Звукоцвет» (1930).

В МОК демонстрируется реконструкция стенда М.Матюшина с выставки 1926 года «Связь звука и цвета» («Четыре цветных экрана и четыре монохорда»). Монохорды известны с древности: легенды приписывают их изобретение Пифагору. Изюминка этого открытия в том, что «монохорд даёт возможность осознать соразмерность звука с числом» (В.Мартынов). М.Матюшин подчёркивал, что нам важен не только звук, но и цвет: вот когда «наступает единство звука, цвета и числа». Реконструкцию спектакля-перформанса М.Матюшина 1923 года «Рождение света, цвета и объёма» (1998–1999) создали художники А.Кострома и Н.Букреева; куратор – А.Повелихина. Также восстановлена партитура оперы «Победа над солнцем» – музыка М.Матюшина (1913).

В МОК представлены и наши современники, среди которых композитор и художник Владимир Мартынов: «Из серии Документы» (2010). Для В.Мартынова знакомство с кураторской идеей МОК дало возможность смело сказать о грядущем тысячелетии как времени Органики. На вопрос об «органических корнях» В.Стерлигова он ответил изложением собственной концепции: «Что такое купол? Это опрокинутая чаша. Что такое чаша? Это опрокинутый купол. Этот универсальный принцип у Стерлигова стал изобразительным принципом... Моё дело композитора – достичь этого купола, достичь тогда, когда выстроишь грамотно чашу. Этот резонанс – принцип, который нельзя выдумать <...> надо подобрать слова, подобрать какие-то грамотные изображения, т.е. надо ''выдумать'', как об этом сообщить». (Интервью. 2014 год. МОК).

Художник, сложившийся в движении кинетизма, изобретатель В.Колейчук, предоставил для музея работу «Овалоид №4» (2013). Овалоид – сложный звуковой объект большого спектра. Структура инструмента позволяет создавать композиции, извлекая оригинальные звуки одновременно тремя музыкантами. Его используют и в театральных постановках, и в кинематографии.

В.Колейчук изучает звуковую палитру природы: «Она гораздо шире, чем замкнутая в себе оркестровая система. Поэтому музыка сферы или музыка природы гораздо интересней может звучать, чем скрипка... Всё звучит: вода, капель, дождь, ветер, листва, деревья, люди и т.д. В том Органика и состоит, чтобы считать звук как природное явление шире, чем музыка». (Интервью. 2014 год. МОК).

МУЗЕЙ РОССИЙСКОЙ ФОТОГРАФИИ

Говоря о взаимосвязи Музея Искусств XX–XXI веков и Музея российской фотографии, правомерно начать с фотографии М.Матюшина: «М.Матюшин, А.Кручёных, К.Малевич» (Июль 1913; на даче в Уусикиркко). Это фото, сделанное самим художником, обозначает ещё один творческий полюс его исканий. Оно и послужило началу создания Музея российской фотографии. Музеи объединяет не только общая платформа мировоззрения и мироощущения, но и способность выражения целостной органической структуры современными средствами живописи и уникальными техниками фотографии. Дагерротип, амбротип, ферротип, альбуминовая печать, платинотипия, бромойль, цианотипия – также являются исследовательскими проектами будущего, а международный симпозиум альтернативной фотографии «Дагерротип» (2017) стал стартовым событием МРФ для создания первого дагерротипа ХХI века в России. Фотографы В.Сокорнов, М.Шерлинг, А.Гринберг, А.Родченко и многие другие – достойные представители русской школы фотографии.

Особо отмечена специалистами научная деятельность МРФ после издания в 2013 году под редакцией А.П.Попова справочника «Российские фотографы 1830–1930» в трёх томах. Справочник включает 16000 статей о фотографах, работавших в России в эти годы.

Выставочные проекты МОК, ежегодные конференции, «круглые столы»; издание каталогов, ежегодного журнала «Возврат к природе» и монографий; публикации исследований с привлечением специалистов и учёных смежных наук позволяют открывать новые грани российского современного искусства.

В пространстве музейного дворика экспонируются «Двойная спираль» В.Колейчука (2015), скульптурная группа «Деревья» И.Шелковского (2016), инсталляция Андрея Красулина «Барак. Памяти О.Мандельштама» (2015).

Павильон «Белая линия. ХХI век» соединяет творчество С.Чехонина (1878–1936), современника М.Матюшина, с нашими современниками. Здесь представлены новые средства для отражения бесконечного разнообразия органического мира Природы: инсталляция из яичной скорлупы А.Костромы «NANO 720» (2012) и работа «Взгляд на солнце» / «Жёлтый мир» (2000).

Преемственность знаковой культуры традиции, раскрываемой в археологии, а также в петроглифах земляной живописи С.Бондина не затмевает космологическая направленность работ «Проекты реконструкции звёздного неба» Франциско Инфанте, а работы А.Кузькина, А.Жёлудь, А.Монастырского, И.Лунгина, И.Горшкова – продолжают «возврат к природе».

МУЗЕЙ ТРАДИЦИИ

Музей традиции представляет работы художников, «наивно увидевших мир», создающих своё «светлое и доброе искусство», в котором первична память «места, рода, эмоции». Их картины не обращаются к первоосновам живописи и лабораторным исследованиям, в их сюжетах – любовь к миру и человеку. Им свойственно живое мировосприятие, где Природа – «дар Господа» (Любовь Майкова [05.03.1899–23.03.1998] – художница, представитель наивного направления в искусстве). Органическое движение в искусстве открывает свои новые возможности в их творчестве. Трёхтомное издание МОК «Художники, наивно увидевшие мир» (Коломна. 2020) знакомит с творчеством художников, представленных в основной экспозиции МОК и других музеях России.

МУЗЕЙ DIMA

В Музее DIMA расположились работы художника Дмитрия Ракитина, сына искусствоведов Елены и Василия Ракитиных. «В нём соединяются глубокая традиция соборных форм искусства и свой личный творческий жест. Дыхание цветовых и световых построений его картин, обращённость к самым простым и регулярным событиям в жизни человека – всё это открывает особую художественную личность, свидетельствует о возвращении в искусство подлинности и чистоты высокой традиции» (Виталий Пацюков – искусствовед, куратор, автор теоретических исследований в области современного искусства).

Деятельность МОК направлена на выставочные проекты, основной задачей которых является показать коллекции музея, и главное – привлечь внимание к вопросу «Органическая культура – что это такое?».